blog do Escritório de Histórias

50 anos de Brasília

2010-04-16T14:50:00.006-03:00

Em 21 de abril, a capital do país completa 50 anos. Mergulhada num escândalo de corrupção, a festa perdeu o brilho e sua população não tem muito o que comemorar. Mesmo assim, sua história continua produzindo encantamento e cidade nova que é, ainda terá muito tempo para curar as feridas e solucionar seus problemas.

Em 2010 completam-se 5 anos que o Escritório de Histórias aportou em Brasília. Bem recebido, executou interessantes trabalhos na cidade, como "Conduzindo o Progresso", "AMBr 50 anos" e "A vida de Homero Santos", entre outros. Como homenagem ao lugar que tão bem acolhe os que chegam, vocação desenvolvida desde sua construção, disponibilizamos um trecho que trata da construção da cidade, parte do livro "AMBr 50 anos: Desde 1959 fazendo história em Brasília" (Ed. Escritório de Histórias, 2009). O arquivo está em PDF e para acessar, é só clicar na foto abaixo.

Parabéns, Brasília! Desejamos que toda essa confusão sirva para uma limpeza geral e um recomeço pleno de responsabilidade e honestidade na vida pública.

Dia Nacional da Poesia

2010-03-11T16:16:00.005-03:00

Celebrado no dia 14 de março, em homenagem a Castro Alves, o Dia Nacional da Poesia é uma data que vem conquistando seu espaço no calendário de celebrações pelo Brasil. Ainda bem. Afinal, poesia faz bem à alma e ao coração. E mesmo que alguns desavisados ainda a vejam como uma literatura difícil, o espaço que conquistou na internet mostra justamente que ela caiu no gosto dos navegantes, que têm boas opções para ler clássicos ou novos poetas.

No site do Escritório de Histórias, este mês destacamos a poesia de Geraldo Félix. Em nosso arquivo, há ainda outros poetas que podem ser lidos e relidos. Pela internet, há sites oficiais de Carlos Drummond de Andrade, Hilda Hilst, Affonso Romano de Sant'Anna, Ferreira Gullar, e tantos outros bons poetas que nosso país se orgulha em ter.

Para comemorar esta data, sugerimos um passeio por estes sites e pelas poesias que eles disponibilizam e abrimos espaço para que você possa sugerir também sites ou blogs de poesias que valham a visita.

Recesso do Escritório de Histórias

2009-12-21T11:34:00.003-02:00

Em 2009, o Escritório de Histórias encerrará suas atividades de atendimento ao público no dia 22 de dezembro, retomando essas funções em 04 de janeiro de 2010. Aproveitaremos para executar tarefas de organização internas e para recuperar as energias.
Até o ano que vem!

50 anos do Expresso Jundiaí

2009-10-20T17:51:00.003-02:00

O Escritório de Histórias esteve representado no evento de comemoração dos 50 anos do Expresso Jundiaí por seu sócio Osias Ribeiro Neves. Ele foi homenageado pela diretoria da empresa em nome de todos aqueles que colaboraram na realização do livro “Expresso Jundiaí, 50 anos de história”, escrito e editado pelo Escritório de Histórias.

O evento de bom gosto e requinte foi realizado na cidade de Jundiaí e reuniu colaboradores, clientes, políticos, as famílias Expresso e Panzan. Num clima descontraído, aminado por uma excelente banda de rock and roll que pontuou a história da empresa com as músicas mais tocadas de cada época, a festa contagiou a todos, como convém a uma tradicional família italiana. Sr. Domingos Panzan e Sra. Ida, patriarcas da família, foram lembrados com carinho pelos filhos, no discurso emocionado de Romeu Panzan, que fez questão de ressaltar a presença do Palmeiras no campeonato brasileiro, para o desgosto dos corintianos.

Livro produzido pelo Escritório de Histórias será lançado em Brasília

2009-10-14T17:20:00.004-03:00

O livro que conta os 50 anos da Associação Médica de Brasília – AMBr será lançado pela entidade como parte das comemorações pelo Dia do Médico, no dia 17 de outubro. Tradicionalmente, a AMBr promove neste mês vários eventos, em virtude da data celebrada no dia 18 e, em 2009, ano do cinquentenário, nada melhor do que comemorar com a história da própria Associação. “AMBr 50 anos –Desde 1959 fazendo história em Brasília” (Escritório de Histórias, 2009) será lançado num evento informal e descontraído, a realizar-se na sede da entidade, e a presença dos médicos será o ponto alto da comemoração.

Tip Top festeja 80 anos em bom tom

2009-08-31T17:20:00.005-03:00

Osias Ribeiro Neves, autor do livro "Tip Top 80 anos" (Escritório de Histórias, 2009), foi homenageado pela família Huven durante o evento. Na foto, aparece com o casal Teresa Recoder e Luís Otávio. [foto de Elderth Theza]

No último sábado (29), o Tip Top, bar mais antigo de Belo Horizonte, fechou o quarteirão da Rua Rio de Janeiro entre a Avenida Bias Fortes e a Rua Gonçalves Dias para a festa de comemoração dos seus 80 anos. Durante todo o dia, barracas venderam comes e bebes com especialidades da cozinha Tip Top e aconteceram performances cênicas do grupo Realejo e da Trupe Circo. De manhã, a festa foi direcionada às crianças, recheada de atividades como oficinas infantis, cama elástica e guloseimas.

Teresa Recoder, proprietária do Tip Top, tendo ao fundo a multidão que participou da festa na rua. [foto de Elderth Theza]

O prefeito de Belo Horizonte, Márcio Lacerda, fez questão de prestigiar o evento. [foto de Elderth Theza]

A partir do meio dia, a animação ficou a cargo dos diversos shows, regados a muito gingado brasileiro. DJ Rebequinha abriu a comemoração vespertina com variedades da Bossa Nova, da MPB e do Samba Rock, se apresentando também nos intervalos dos shows. Thiago Delegado e banda encantaram com a maestria ao violão. No fim da tarde, a animação ficou por conta de Dona Jandira e banda que, com muita simpatia, fez o público mostrar que tem samba no pé. A surpresa da festa foi o cantor Wander Lee, que aqueceu os corações apaixonados. Encerrando a sequência de shows, Zé da Guiomar não deixou ninguém ficar parado com o melhor do samba.

O cantor Wander Lee foi a atração surpresa anunciada durante todo o dia. [foto de Elderth Theza]

Novo endereço em Brasília

2009-07-07T10:30:00.001-03:00

O Escritório de Histórias em Brasília está funcionando em novo endereço. Conta agora com uma estrutura mais confortável para receber os clientes, além da facilidade de estacionamento e boa localização. "A mudança occoreu sem que houvesse atraso nos prazos dos trabalhos em andamento e essa era nossa preocupação desde que começaram os preparativos", explicou Isabella Verdolin, que coordena a filial. O telefone de contato e e-mails continuam os mesmos.
Novo endereço: SEPS 707/907 bl E sala 318 ed. San Marino, Asa Sul.

10 anos sem Dias Gomes

2009-05-06T16:24:00.002-03:00

O baiano de Salvador Alfredo de Freitas Dias Gomes se definia como um homem apaixonado pelo teatro. Escritor de grande talento, era contista, romancista, teatrólogo e roteirista de cinema.
Nascido em 19 de outubro de 1922, Dias Gomes escreveu “A comédia dos Moralistas”, sua primeira peça, aos 15 anos e recebeu sua primeira premiação dois anos mais tarde, por esse mesmo texto. Em 1942, excursionou com Procópio Ferreira com sua peça “Pé de Cabra” por todo o país. Mais tarde, trabalhou em grandes rádios do Rio de Janeiro e casou-se com Janete Clair, outra grande escritora brasileira, em 1950. “O pagador de promessas”, peça que escreveu em 1959 foi seu maior sucesso, sendo uma das mais premiadas até hoje no Brasil. Foi o próprio Dias Gomes quem a adaptou para o cinema, recebendo a Palma de Ouro do Festival Internacional de Cinema de Cannes em 1962 e o Prêmio Fipa de Prata, em Cannes, em 1988, entre outros prêmios nacionais e internacionais.

Foi por seus textos apresentados na televisão que Dias Gomes ficou na memória do grande público. “Roque Santeiro”, a peça proibida nos anos da ditadura e adaptada para a televisão 10 anos depois, foi uma das telenovelas de maior sucesso no Brasil, sendo ainda hoje lembrada nas conversas em rodas de amigos e como referência de texto rico, linguagem acessível e temas controversos. Outro grande sucesso de adaptação de uma peça de teatro foi a série “O Bem-Amado”, com a inesquecível interpretação de Paulo Gracindo como Odorico Paraguassú. A ironia e a sutileza com que criticava a política e a sociedade da época faziam rir e convidavam o espectador a refletir sobre a conjuntura nacional e os rumos do Brasil. A genialidade de seus textos é tanta que muitas de suas observações permanecem atuais ainda hoje, passados 10 anos de seu falecimento – e 30 da estréia da série “O Bem-Amado” na TV.

Em 1991 foi eleito o sexto ocupante da cadeira 21 da Academia Brasileira de Letras, sendo recepcionado por Jorge Amado, outro grande escritor baiano. Em seu discurso de posse, ressaltou sua paixão: “O teatro é a única arte que usa a criatura humana como meio de expressão. No cinema e na televisão a imagem da criatura humana é utilizada, não a criatura viva, sensível e mortal. Esse meio de expressão, mais poderoso que qualquer outro, o homem-ator, torna o teatro a mais comunicativa e a mais social de todas as artes, aquela que, de maneira mais íntima e reconhecível, pode apresentar o homem em sua luta contra o destino - em última análise, a razão de ser da arte dramática, dos gregos aos nossos dias. Pois o que temos no palco são seres humanos, que nos tocam duplamente: pela interpretação de um destino alheio, sem que isso os liberte de seu próprio destino. Esta carga trágica de que é portador é que dá ao teatro inexcedível autoridade para transmitir o sentido trágico de nossa existência.” Falecido em 18 de maio de 1999, Dias Gomes deixou uma obra extensa que, graças à riqueza de seus textos, remontagens e reprises levarão ao conhecimento de muitas outras gerações.

Texto: Isabella Verdolin
Site consultado: Academia Brasileira de Letras

A Psicanálise poética de Hélio Pellegrino

2009-03-31T17:21:00.003-03:00

Minas Gerais é a terra do pão de queijo, de moça bonita e de poeta talentoso. Nascido na cidade de Belo Horizonte em 05 de janeiro de 1924, Hélio Pellegrino se destacou no cenário literário nacional e tornou-se referência na vida política e cultural brasileira. Por meio de artigos publicados em jornais do Rio de Janeiro e São Paulo, Hélio discutiu com maestria a sua especialidade, a Psicanálise, e os caminhos da religião, política, arte, economia e literatura.
Filho de Braz Pellegrino, famoso médico da cidade, e Assunta Magaldi Pellegrino, nascida no sul da Itália, o poeta tornou-se amigo de Fernando Sabino logo quando criança, amizade que perdurou por toda a sua vida. Logo cedo, demonstrou seu interesse por literatura e, aos 14 anos, dedicou-se à leitura de Carlos Drummond, ocasião em que começou a escrever seus primeiros poemas.

Em 1940, Hélio fortificou laços de amizade com Fernando Sabino, Otto Lara Resende e Paulo Mendes Campos, formando, assim, o grupo que ficou conhecido como “os quatro mineiros”. Dois anos depois, o poema “Deixai-o”, considerado sua primeira obra significativa, foi publicado na revista católica A ordem. No mesmo ano, por pressão da família, ingressou na faculdade de Medicina da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) e, em 1943, decidiu se especializar na área da medicina psiquiátrica.

Desde os tempos de estudante, Hélio participou ativamente da vida política do país, porém, sem nunca abandonar o seu viés literário. Em 1944 editou o jornal clandestino Liberdade na companhia de Otto Lara Resende, Darci Ribeiro, Francisco Iglesias, Simão Vianna de Cunha Pereira e Wilson Figueiredo. No ano seguinte, participou da fundação da União Democrática Nacional (UDN), que, apesar de ter sido voltada, num primeiro momento, contra a ditadura estadonovista, caracterizou-se essencialmente pela oposição constante a Getúlio Vargas e ao getulismo. Após ter concorrido ao cargo de deputado federal pelo partido, Hélio se desligou da UDN em 1946 e fundou a Esquerda Democrática, ligada diretamente ao Partido Comunista.

Em 1947, o poeta publicou um livreto com dois poemas (“Poema do príncipe exilado” e “Deixe que eu te ame”) através do grupo literário “Edifício”. No mesmo ano, iniciou a prática psiquiátrica no manicômio Raul Soares, em Belo Horizonte, abrindo seu consultório particular em 1950 no Hospital de Neuropsiquiatria infantil. Com o propósito de se formar psicanalista, Hélio começou uma análise didática com Iracy Doyle, interrompida em 1956 pelo seu falecimento. Dois anos depois, retomou a análise com Dona Catarina Kemper, para se formar em 1963.

Hélio Pellegrino foi homem de família grande. Em 1948, casou-se com Maria Urbana Pentagna Guimarães, mulher que permaneceu como sua companheira por quarenta anos e com quem teve sete filhos. Em 1974, o psicanalista casou-se com a física Sarah de Castro Barbosa, união que durou sete anos. Em 1985, Hélio conheceu Lya Luft, romancista e poetisa brasileira, com quem trocou cartas durante algum tempo e veio a se casar no ano seguinte.

Quando mudou-se para o Rio de Janeiro com sua família, em 1952, Pellegrino começou a trabalhar como redator no jornal O Globo e, em 1964, iniciou a colaboração para o Correio da Manhã, atividade que manteve por quatro anos. Participou do O Pasquim entre 1978 e 1980. Fiel às suas convicções na luta pelos direitos de cidadania, Hélio Pellegrino batalhou duramente contra a Ditadura Militar e contra as posições da sociedade psicanalítica, que criticava sua postura em relação ao regime de exceção. Em 1968 discursou na “Passeata dos Cem Mil”, uma manifestação de protesto por decorrência da morte de um estudante. Devido a sua ousadia em uma época de censura e tensões, Hélio foi mantido preso durante dois meses em 1969, tendo sido processado sob a acusação de líder comunista. Em 1980, o psicanalista aderiu ao manifesto de fundação do Partido dos Trabalhadores (PT) juntamente a Mário Pedrosa, Lula, Antonio Candido, Apolônio de Carvalho e Sérgio Buarque de Hollanda. Dois anos depois, iniciou a colaboração para o jornal Folha de São Paulo, que duraria três anos e meio.

Em 1988, o Brasil perdeu um grande psicanalista, poeta e defensor da liberdade do homem. Seu coração achou que já era hora de parar, levando-o ao falecimento. Como prova do seu brilhantismo em vida, foram realizados uma série de lançamentos póstumos, como a seleção de poemas Minérios domados (Ed. Rocco), organizada por Humberto Werneck, em 1993, e o livro Hélio Pellegrino, a paixão indignada (Ed. Relume Dumará) de Paulo Roberto Pires, em 1998. Em 2004, a editora Bem-Te-Vi publicou o “Arquivinho de Hélio Pellegrino", disponível neste link. No mesmo ano, chegou às livrarias Lucidez Embriagada (Ed. Planeta), com organização de Antônia Pellegrino, neta do autor. Hélio deixou saudades, mas sua obra e seu exemplo de luta, sem dúvida, não serão esquecidos.

Texto de Natália Boaventura

La Vida es Sueño

(Hélio Pellegrino)

A pedra
a pedra como o fogo
com suas resinas e ramas
a pedra como o fogo
é um sonho
de pálpebras abertas.

O sonho é quando
no veludo íntimo da noite
fogo e pedra se sonham:
— as pálpebras cerradas.

Dia Nacional da Poesia

2009-03-13T16:53:00.003-03:00

Acreditando que a melhor maneira de celebrar o dia 14 de março é lendo poemas, publicamos aqui uma breve seleção, de autores diversos, desejando a todos um ótimo Dia Nacional da Poesia.

Em todos os texto foi preservada a grafia e a forma originais.

MANIFESTO
Antônio Barreto

Nós todos, poetas da usura menor,
devemos de dividir nossas dívidas
e nossas dúvidas
como grandes capitalistas
em falência

Nós todos, poetas na usura do amor,
precisamos tirar os sapatos, os suspensórios
e as gravatas
como nudistas num campo
(de concentração)

Nós todos, poetas na usura do suor,
necessitamos sujar as mãos de óleo
e cavoucar essa terra cansada
como grandes tatus da consciência

Não nascemos da barriga de um abutre
mas a cada dia deglutimos
e defecamos
as temperadas carniças
da humanidade

Nós, poetas dessa música sem ritmo
tocamos flauta com as mãos no bolso
se o certo é rufar tambores
e trombetas
com as mãos acima das cabeças

Se o fardo que carregamos nas costas
não é pesado na balança dos fardados
vistamos pois a poesia de medalhas
e marchemos poetando à soldadia

Se sob o sol aumentou a prestação
e o operário não continua a construção

Se tijolo após tijolo a fome cresce
e as betoneiras vão cantando a mesma prece

Falemos então, poetas, dos pequenos
das barrigas latino-americanas
dos lamentos inouvidos, dos murmúrios
e das dores do parto que abortamos

Dancemos, pois, a polca proletária
neste palco onde ninguém é proprietário

Nós todos, poetas, operários
precisar sujar as mãos com o mesmo óleo
e cavoucar o cansaço dessa terra
sem contrato na Carteira de Trabalho.

(Do livro “Vasta Fala”, de Antônio Barreto, pág. 48 e 49, obra vencedora do Prêmio Bienal Nestlé de Literatura, 1988, 1º lugar na categoria poesia)

* * * * *

ESFINGE
Osias Ribeiro Neves (Gurrumamm)

: que os seios da esfinge sejam de aço
aguardar o leite ou o sangue para ama-
mentar o último sobrevivente gerado no
solo vietname.
: que dos olhos da fera cresçam cris-
tais às prova de bombardeios.
: que suas mãos sejam automáticas no
decorrer do caminho & que nunca mais
seja preciso um gesto de rendição.
: que o útero da esfinge seja transmu-
tado assim que no labirinto de suas
trompas não se fecunde mais vida & que
seu ventre seja estático como estático
é o monumento, erguido na América, ao
bravo soldado consumido pela máquina
da guerra.

(Da “Revista Literária”, pág. 63, ano VIII, número 8, novembro de 1973. Poema vencedor em 1º lugar do Concurso de Poesias de 1973)

* * * * *

RESSENTIMENTO
Dinaldo Domingues

Um prato vazio na mesa,
Panela não tem no fogão,
A porta é tão indefesa
Que fica amparada no chão.

Um trapo que foi um vestido
Inerte repousa num canto,
Enquanto um fraco gemido.
Simula um triste acalanto

Maluca, sem dentes, sofrida,
Sem sonho, sem banho, sem luta,
Na vida foi só uma puta!

E hoje, tão puta da vida,
Lamenta não ser jovem, linda,
Pra ser mais puta, ainda.

(Poema do livro “Brincando de Poeta” de Dinaldo Domingues, pág. 26, publicado pelo Escritório de Histórias em novembro de 2007)

* * * * *

HOUDINI
Eugênio Gomez

Dissimularei com os perfumes da moda
o cheiro da chaga putrida do proleta-
riado.

Liquidarei a depressão dos anos se-
tenta com 10 miligramas do analéptico
mais moderno.

Cegarei os olhos dos descontentes nas
luzes de picadeiros ciganos.

Abafarei a paixão suicida dos cantos
guerrilheiros com o último sucesso
de Sinatra no volume máximo.

Engarrafarei o sangue marginal dos
mangues com rótulos dos melhores uís-
quês escoceses.

Cobrirei a nudez e a vergonha dos fra-
cos com a equívoca bandeira da nova
era.

Com um truque mirabolante iludirei a
fúria dos brutos, minha cartola li-
bertará os pássaros e hinos, serei um perfeito dândi nos salões cristaliza-
dos do meu palácio.

(Poema da revista “Silêncio”, pág. 49, ano I, nº 5, editada por Lúcia Afonso e Luiz Fernando Emediato, em 1974)

Mulheres: ainda precisamos de um dia?

2009-03-06T16:47:00.005-03:00

Em 08 de março celebra-se o Dia Internacional da Mulher nos 4 cantos do planeta. Propagandas, comerciais, músicas, luzes cor-de-rosa sobre monumentos, seminários, convenções, encontros... tudo voltado para a comemoração da data. Mas, afinal, é mesmo necessário marcar uma data para celebrar as mulheres?

Desde 1910, ano da II Conferência Internacional de Mulheres na Dinamarca, vários países comemoram a data em homenagem às mulheres. Instituído oficialmente pela Organização das Nações Unidas em 1975, o dia foi escolhido em memória às operárias de uma fábrica de tecidos de Nova Iorque que, em 08 de março de 1857, realizaram uma greve reivindicando melhores condições de trabalho, redução da carga diária, equiparação de salário com os homens e tratamento mais digno. Reprimida com total violência, a manifestação resultou na morte de todas as tecelãs, que foram carbonizadas no interior da própria fábrica. Assim, o objetivo da data não se resume à comemoração, mas suscita uma reflexão acerca do que se passou e da situação feminina nos dias de hoje. Por todo o mundo realizam-se conferências, debates e reuniões para discutir o papel da mulher na sociedade atual, como meio de incentivar sua valorização e reconhecimento.

Clique na imagem para ler "No silêncio das fêmeas", de Osias Ribeiro Neves.

Historicamente, as mulheres precisaram de autorização para tornarem-se cidadãs. No Brasil, só alcançaram o direito ao estudo fundamental em 1827 e ao ensino superior, em 1879. Para votar e serem votadas, precisaram aguardar o Novo Código Eleitoral promulgado por Getúlio Vargas em 1932. O movimento feminista se fazia presente desde o início do século XX em pontos diferentes do mundo e espalhou-se de maneira mais contundente em meados da década de 60, com o advento da pílula anticoncepcional. Era mal visto por boa parte da sociedade, por vezes questionado com veemência pelas próprias mulheres, que não viam sentido em “competir” com os homens e “abandonar” as tarefas do lar. Os homens, por sua vez, não viam com bons olhos as mudanças na maneira de vestir, de se comportar e sobretudo de discordar das mulheres, que acreditavam ser possível não depender da autorização de pais ou maridos para decidir o que fazer de suas vidas. Foi um tempo de efervescência cultural e de profundas transformações sociais no mundo ocidental, estendendo-se até meados da década de 80.

De lá para cá, por incrível que pareça, ainda existem mulheres que enfrentam esses desafios em seu cotidiano, seja nos rincões do interior do Brasil ou em países com tradições culturais que submetem as mulheres a situações de dor e sofrimento. Nos dias atuais, as diferenças salariais e de oportunidades de trabalho entre homens e mulheres permanecem, ainda que escamoteadas ou já em processo de redução. Mas cresce a cada dia o número de pessoas que mais do que acreditar na igualdade dos gêneros, age em prol das mudanças que se fazem necessárias. Afinal, homens e mulheres são mesmo diferentes, mas são fundamentais para compor a espécie humana. A convivência harmoniosa entre os gêneros nunca foi tão desejada e necessária em todo o mundo. Enquanto essa meta não for alcançada, precisaremos sim de ao menos um dia do ano para refletir sobre essas questões e celebrar o que já foi conquistado.Texto de Isabella Verdolin e Natália Boaventura.

O Carnaval carioca

2009-02-20T11:19:00.003-03:00

Internacionalmente, o Brasil é famoso por seu futebol e carnaval. Ainda que o futebol não dê mais tantas alegrias, o carnaval continua sendo uma das festas mais bonitas e ricas em diversidade de todo o mundo. Reunindo ritmos, tradições, cores e costumes dos mais diferenciados, o “país do carnaval” quase pára durante o período de festas, tamanha é a magnitude e a alegria que a ocasião promove. A cidade do Rio de Janeiro, em especial, atrai turistas de todas as partes do globo, encantados com as músicas e os desfiles que ocorrem todos os anos no Sambódromo.

No Brasil, o primeiro baile de máscaras aconteceu no Rio de Janeiro, no ano de 1840, no Hotel Itália, pela influência dos famosos bailes da Europa. Apesar do sucesso dos bailes de salão, foi através do povo que o carnaval brasileiro adquiriu as principais características que carrega hoje. Os blocos e cordões, grupos formados por pessoas de várias raças e origem humilde que, posteriormente, fizeram nascer as escolas de samba, surgiram ainda antes da passagem para o século XX. Os primeiros grupos carnavalescos, chamados de “Grandes Sociedades”, foram criados em 1855 e, além de se reunirem para a comemoração do carnaval com músicas e carros alegóricos, estavam também ligados a movimentos cívicos, sendo os precursores da festa atual. O grande marco do carnaval de rua talvez tenha sido a marchinha de Chiquinha Gonzaga “Ô Abre Alas” (1899) que, além de ter sido inspirada num cordão carnavalesco do bairro Rosa de Ouro, foi a primeira música feita especialmente para o carnaval. Como capital que era, o Rio de Janeiro ditava a moda – e hoje ainda é referência nos meios de comunicação. Com letras divertidas, melodias simples, alegres e andamento acelerado, as marchinhas caíram no gosto popular e muitas vezes funcionaram como uma espécie de crônica musical da cidade. Com o novo século, as inovações vieram também no carnaval. Em 1907 surgiu o “Corso”, um desfile de automóveis que, durante as primeiras décadas do século XX, foi uma das principais atrações do carnaval carioca, trazendo mulheres fantasiadas, flores, confetes e serpentinas.

A primeira geração do samba, formada por nomes como Donga e Pixinguinha, ficou conhecida como o “samba da Cidade Nova”, que se aproximava levemente do choro. Como gênero musical, só se consagrou quando foi gravado pela primeira vez, no ano de 1917. O “samba da Cidade Nova” era mais apropriado para a dança de salão, enquanto que o desfile de carnaval, propriamente dito, pedia músicas que movimentassem o corpo e permitissem que os foliões andassem e brincassem de forma simultânea. A turma de sambistas do bairro Estácio de Sá criou o “Deixa falar” em 1928, um bloco cujos sambas entoados assemelhavam-se aos atuais e que acabou sendo conhecido como “escola de samba”, pelo fato de seus fundadores serem os “professores” do novo ritmo.

Nos anos seguintes, as marchinhas e o samba dividiram pacificamente o espaço na música brasileira e nos carnavais da cidade maravilhosa. Consagrada nas vozes de Carmen Miranda, Silvio Caldas, Dalva de Oliveira, Mário Reis, Jorge Veiga, Almirante e Black-out, a marchinha viveu seus anos áureos na década de 30. Grandes compositores renderam-se aos seus encantos e perpetuaram sucessos, como “Com que Roupa?”, de Noel Rosa; “Linda Morena”, de Lamartine Babo; “Eu Dei”, de Ary Barroso e “Chiquita Bacana”, de João de Barro, o Braguinha, entre tantas outras que são entoadas até hoje e não podem faltar no carnaval brasileiro.

O Carnaval passou a ser assunto do Estado brasileiro quando o governo Vargas criou Departamentos de Turismo nos estados, que passaram a ter um papel cada vez mais centralizador das folias de carnaval. As escolas de samba foram um importante canal de comunicação do governo com as camadas mais pobres da sociedade, instituindo em 1933 o famoso Rei Momo e, quatro anos depois, lançando um decreto que determinava às escolas de samba que dessem um caráter histórico e patriótico aos sambas-enredo.

Durante as décadas de 1940 e 1950, as escolas se desenvolveram gradativamente e buscavam, em meio a toda a população, maior aceitação e estruturação de uma imagem mais sólida. Nos anos 60, firmam-se como elemento não só cultural, mas também rentável, o que levou a Secretaria de Turismo a estabelecer a venda de ingressos para o desfile. A partir de então, o carnaval carioca começou a adotar, cada vez mais, um viés comercial e, além da cobrança para que os foliões pudessem assistir aos desfiles, a vendagem dos discos com gravações de sambas-enredo cresceu muito e o carnaval passou a ser filmado para divulgação no exterior.

No início dos anos 60, a popularização atingida pelos desfiles de carnaval fez com que o samba-enredo ascendesse e as marchinhas entrassem em declínio. O compositor José Roberto Kelly foi um dos últimos que obtiveram sucesso no ramo, com as famosas “Cabeleira do Zezé” e “Mulata Iê-Iê-Iê”. Após outorgado o AI-5 e a censura instalada sobre todas as áreas, poucos se arriscaram a compor marchinhas. Seu último marco foi “Balancê”, de João de Barro e Alberto Ribeiro que, apesar de ter sido lançada em 1937, só atingiu o sucesso nos anos 80, na voz de Gal Costa. Ainda assim, as marchinhas ficaram eternizadas na memória do carioca e de todo o Brasil, animando carnavais até os dias atuais.

Para otimizar a montagem das arquibancadas e promover um carnaval mais organizado, a Passarela do Samba, posteriormente chamada de Passarela do Professor Darcy Ribeiro e popularmente conhecida como Sambódromo, foi consagrada na Avenida Marquês de Sapucaí, no ano de 1983. A inauguração se deu durante o governo de Leonel Brizola e o projeto traz o nome do famoso arquiteto Oscar Niemeyer. No ano seguinte, as grandes escolas fundam a Liga Independente das Escolas de Samba do Rio (LIESA) promovendo um caráter mais empresarial e buscando maior autonomia na organização dos desfiles. As escolas de samba são uma forte manifestação cultural que vem se desenvolvendo e se modificando ao longo dos tempos. O preparo e trabalho árduo ocorrem durante todo o ano, desde o término do desfile até o início do próximo no ano seguinte. Cada vez mais aprumadas de técnica, emoção e alegria, são um marco na história do carnaval carioca. Todos os anos, uma série de escolas de samba enfeita o Sambódromo e encantam foliões de todas as partes, como Portela, Salgueiro, Mangueira, Beija-Flor, Mocidade Independente, Império Serrano, Vila Isabel, Estácio, Imperatriz Leopoldinense, Grande Rio, Porto da Pedra, Unidos da Tijuca e Viradouro. Ainda que o glamour da folia esteja concentrado na Passarela Professor Darcy Ribeiro, o carnaval de rua ainda é palco das maiores e mais originais manifestações culturais. Embora os cordões já tenham sido extintos há algum tempo, o “Cordão da Bola Preta” mantém o nome até os dias atuais, sendo um dos mais tradicionais clubes da festa carioca. Muitos blocos oficias (como “O Bafo da Onça” e “Boêmios do Irajá”) e não oficiais (como “Suvaco de Cristo” e o “Monobloco”, recém criado) existem na cidade maravilhosa e arrastam multidões, expressando o que o carnaval de rua tem de melhor.

Texto de Natália Boaventura e Isabella Verdolin

Para saber mais sobre o carnaval do Rio de Janeiro, acesse :
http://liesa.globo.com
http://www.papodesamba.com.br
http://www.cordaodabolapreta.com.br

Carnaval em Pernambuco

2009-02-12T15:02:00.004-02:00

Apesar da origem do carnaval ser um tanto incerta, a primeira comemoração carnavalesca do Brasil ocorreu no ano de 1641, em homenagem ao rei Dom João IV, com a organização do governador Salvador Correia de Sá e Benevides. Originalmente, carnaval consiste em um conjunto de festejos populares caracterizados pela liberdade de expressão e movimento, provenientes de ritos e costumes pagãos. Apesar de ocorrerem em diversos países, as festividades adquiriram características distintas mundo afora.

O carnaval do Brasil é famoso pela variedade de ritmos, cores e etnias. Ao contrário das festas no Rio de Janeiro e Salvador, que trazem consigo um discreto viés comercial, o carnaval comemorado em Recife e Olinda é centralmente popular. Não existe nenhuma espécie de sambódromo e escolas de samba. Grupos formados por amigos e familiares, conhecidos como troças, saem às ruas. Todos os eventos são gratuitos, não existem abadás e o circuito a ser percorrido não é previamente estabelecido, havendo apenas os dias para o começo e fim. Além disso, os ritmos são basicamente tocados pelos próprios foliões que, como bom carnavalescos, “dançam conforme a música”.

Recife é conhecida como a capital multicultural brasileira, abrigando, em seu carnaval de rua, músicas e danças provindas do frevo, maracatu, caboclinho, ciranda, coco-de-roda, samba, afoxé, rock, reggae e manguebeat. Graças à harmoniosa combinação entre diversidade, história, lirismo e irreverência, as festas pernambucanas estão cada vez mais sendo reconhecidas como de grande importância turística e cultural no Brasil.Com muita animação, o carnaval começa uma semana antes da data oficial. A festa é aberta com a entrega simbólica da chave da cidade ao Rei Momo e à Rainha do carnaval na Praça do Marco Zero. No dia seguinte, logo no começo da manhã, mais de um milhão de foliões reúnem-se no centro da capital com o tradicional bloco Galo da Madrugada, o maior do mundo segundo o Guiness Book. Fundado em janeiro de 1978, o bloco surgiu com base na idéia de resgatar o carnaval de rua, que nessa época havia perdido força e adeptos.

Desde a abertura até a quarta-feira de cinzas, o comando da folia fica a cargo dos foliões, embalados pelos blocos de diversos ritmos. No cais da rua Alfândega, às margens do rio Capibaribe, localiza-se o palco do “Festival Rec Beat”, no Pólo Mangue, que promove o encontro da músicas tradicional com tendências modernas. Outro evento bastante apreciado pelos foliões e que chama a atenção da mídia é a “Noite dos Tambores Silenciosos”, no Pólo Afro, em que é realizada uma homenagem aos escravos por meio da mistura do candomblé e dos maracatus.

O Frevo em todas as suas formas é o mais reconhecido dos ritmos do carnaval pernambucano, reunindo multidões que dançam ao som da orquestra. A palavra vem de “ferver”, que na linguagem simples do povo, era pronunciada “frever”, mas sempre significou agitação, fervura, efervescência. Seja “Frevo de Rua” (somente instrumental), “Frevo Canção” (típico frevo de rua, com andamento melódico) ou “Frevo de Bloco” (com orquestra de pau e cordas), a agitação toma conta de Recife e Olinda, atraindo foliões de todas as partes do Brasil e do mundo, sem deixar de ter espaço para os habitantes de Pernambuco, com presença de artistas locais, nacionais e internacionais e grandes orquestras.

Na cidade de Olinda, o carnaval atinge um caráter ainda mais popular do que em Recife, preservando as mais puras tradições da folia pernambucana e nordestina. Desde 1977, a comissão julgadora, a passarela e o palanque das autoridades foram abolidos do carnaval da cidade, o que permitiu à festa assumir o perfil eminentemente popular que a caracteriza hoje. Todos os anos, centenas de agremiações carnavalescas e foliões desfilam pelas ruas e ladeiras da cidade.

Festa sem censuras, as sátiras políticas encontram-se muito presentes no carnaval de Olinda, tanto na forma de marchas, quanto na de bonecos e fantasias. Nos últimos anos, tornou-se bastante comum a presença de ícones como Osama Bin Laden, George Bush, Lula e outras figuras que são destaque no noticiário nacional e internacional. Os blocos carnavalescos da cidade concentram-se na esquina conhecida como “Quatro Cantos”, localizada entre as ruas Prudente de Moraes, do Amparo, Bernardo Vieira de Melo e Ladeira da Misericórdia.

Ao som de orquestras de frevo, maracatu, coco-de-roda, pau-e-corda, ciranda e caboclinho, Olinda se transforma em um grande baile a céu aberto, atraindo pierrôs, colombinas e bonecos gigantes para a festa.Datados das procissões do século XV, os bonecos gigantes são herança européia e, enquanto lá, acompanhavam os cortejos religiosos, aqui, enfeitam a maior festa pagã. A cada ano, são criados bonecos de novos tipos e, atualmente, totalizam mais de cem personagens pelas ladeiras da cidade. Na Terça-Feira Gorda, assim chamada por ser o último dia antes do início da Quaresma, os bonecos gigantes, com mais de 3 metros de altura, se reúnem entre os largos de Guadalupe e do Varadouro, encontro que atrai a atenção de milhares de foliões e acrescenta originalidade e animação à festa. São os personagens mais famosos do carnaval de Olinda e considerados uma marca da festa na cidade.

O boneco mais famoso de Olinda, o “Homem da Meia-Noite”, foi o primeiro a sair às ruas, em 1932. Comandou a festa sozinho até 1967, ano em que surgiu a “Mulher do Dia”, sua companheira, dando espaço para, em 1974, ser criado o “Menino da tarde”, completando a família. Atualmente, o “Homem da Meia-Noite” é o responsável por dar início ao carnaval olindense à zero hora do sábado de Zé Pereira, que passou a ser assim nomeado ainda no Brasil Colônia, quando grupos de portugueses, os “Zés Pereiras”, saíam às ruas tocando grandes tambores e anunciando o começo da festa.

A folia termina na quarta-feira, com o tradicional desfile do bloco “Bacalhau do Batata”, fundado em 1965. Sua origem é ligada ao garçom Isaías Ferreira da Silva, o Batata, que achava justo poder brincar o carnaval após quatro dias de trabalho. O bloco percorre as ruas de Olinda até a Praça da Prefeitura e, tradicionalmente, sempre reuniu profissionais que trabalharam durante os quatro dias do carnaval, como taxistas, faxineiros, policiais e motoristas de ônibus. Apesar de Isaías ter falecido no ano de 1993, sua idéia vingou e, atualmente, grande parte da classe média integra o bloco, que continua mantendo a mesma animação.

Texto de Natália Boaventura e Isabella Verdolin

Verão: estação Bossa Nova

2009-02-03T14:50:00.015-02:00

Não por acaso, Garota de Ipanema é a primeira melodia que nos vem à cabeça quando pensamos em Bossa Nova. Além de ser o grande sucesso deste estilo musical, reúne os elementos típicos da estação que é a mais quente no Brasil. Nos idos da década de 50, jovens sedentos por música – boa música – se reuniam para tocar e cantar. Muitos deles compunham. E assim, em tardes banhadas de sol, à beira mar no Rio de Janeiro, foi nascendo a Bossa Nova.

Chegadas

No verão, no mês de janeiro, vieram ao mundo dois grandes nomes desse ritmo: Tom Jobim e Nara Leão. Ele chegou primeiro, no dia 25, em 1927. Ainda menino, aprendeu a tocar piano e mais tarde, fascinado por diferentes sons, teve aulas de flauta, harmônica de boca e violão. Apesar de ter ingressado na área de arquitetura, logo percebeu que seu talento para música não podia ser desperdiçado e, como pianista, trabalhou na Rádio Clube do Brasil e passou pelas principais casas do Rio de Janeiro. Com o objetivo de se aperfeiçoar como músico, posteriormente, teve aulas de orquestração com Leo Peracchi e Tomás de Terán. Em 1952 trabalhava como arranjador na Continental e foi nessa época que começou a compor suas próprias canções. Incerteza foi a primeira de muitas e belas músicas que estavam por vir. O disco lançado em 1958, “Canção do Amor Demais”, com composições de Tom e Vinicius na voz de Elizeth Cardoso e que, além da orquestra, tiveram o acompanhamento do violão de João Gilberto em algumas faixas, é considerado o marco inaugural da Bossa Nova. No ano seguinte, o LP “Chega de Saudade”, interpretado por João e com arranjos e direção musical de Tom, delineou os rumos que a música popular brasileira iria tomar dali em diante.

Nara Leão nasceu em 1946, no dia 19. Na adolescência, teve aulas de violão com Sólon Ayala e Patrício Teixeira. Sua timidez não impediu que despontasse como musa da Bossa Nova, inovando estéticas e mostrando-se engajada social e politicamente, tendo a voz como a sua principal arma. Quando estreou como cantora, o Maestro Jobim já era conhecido internacionalmente, tendo sido destaque do Festival de Bossa Nova do Camegie Hall, na cidade de Nova York. 1963 trouxe “Garota de Ipanema” e a estréia de Nara Leão, no musical “Pobre Menina Rica” de Vinicius de Moraes e Carlos Lyra. Provocou polêmica em seu primeiro LP, lançado um ano depois, devido ao repertório diferenciado que, além da Bossa Nova, incluía diversos “sambas-do-morro” de Cartola e Nelson Cavaquinho. Ao final de 64, participou do espetáculo “Opinião” ao lado de Zé Kéti e João do Vale, que, além de ter sido um dos mais importantes da época, foi também um dos pioneiros a contestar o regime militar. Entre outros prêmios, venceu o Festival da TV Record de 1966 cantando A Banda, de Chico Buarque, que dividiu o primeiro lugar com Disparada, na voz de Jair Rodrigues. No ano de 1968, Nara Leão fez parte do movimento Tropicalista, participando do famoso disco “Tropicália ou Panis Et Circences”. Nos anos posteriores, passou um tempo na França e, sob o charme e encantamento francês, voltou à dedicar-se à Bossa Nova, gravando dois LPs formados por esse repertório. Depois disso, levou o ritmo à Nova York, Europa e Japão, tendo, neste último, um público muito cativo.

Tom Jobim aproveitou seu sucesso nos Estados Unidos e por lá compôs muito - inclusive em inglês, gravou discos, participou de vários shows e fundou a Corcovado Music, sua própria editora. Além de gravar com Frank Sinatra, um dos grandes mitos americanos, Tom fez parceria com célebres cantores brasileiros, como Elis Regina, Miúcha e Edu Lobo. Era um ecologista ativo e não deixava de passear no Central Park quando estava em Nova York. Seus discos sempre trouxeram belas canções sobre a temática da preservação ambiental, como “Urubu” (1976) e “Passarim” (1987).

Nara Leão foi quem partiu primeiro. Em 7 de junho de 1989, aos 47 anos, faleceu devido a um tumor inoperável no cérebro, deixando a Bossa sem a sua musa de belos joelhos. O CD “Antônio Brasileiro”, o último de Tom Jobim, foi lançado em dezembro de 1994, pouco antes de sua morte no dia 8, nos Estados Unidos. Após uma cirurgia para extrair dois tumores na bexiga, Tom faleceu em decorrência de um coágulo sanguíneo parado em seu pulmão, tendo sido enterrado no Cemitério São João Batista, no Rio de Janeiro.

Partidas

O verão brasileiro também sofreu com o silêncio. Duas mulheres de timbre único partiram deste mundo no mês de janeiro, de maneira inesperada e trágica: Maysa e Elis Regina.

Nascida em 6 de junho de 1936, Maysa Monjardim era dona de dois olhos que podiam expressar muito mais que as palavras que lhe saíam da boca. “Os olhos de Maysa são dois não sei o quê, dois não como diga, dois Oceanos Não-Pacíficos”, assim escreveu Manuel Bandeira em seu livro "Estrela da Vida Inteira". Cantora inquietante e compositora notável, Maysa, filha de uma rica e tradicional família do Espírito Santo, gostava de romper os padrões da época e, aos 18 anos, casou-se com André Matarazzo, quase 20 anos mais velho que ela. Com ele, teve seu único filho, Jayme Monjardim, que, mais tarde, tornou-se diretor de novelas da Rede Globo de Televisão. Seu primeiro disco, "Convite para ouvir Maysa” foi lançado em quatro volumes entre os anos de 1956 e 1959 e foi um sucesso, com canções como Ouça, Meu mundo caiu e Adeus. O marido não aceitava sua carreira e, após muitos desentendimentos, o casamento chegou ao fim. Maysa teve grande dificuldade em lidar com a separação e, desde então, começou a ter problemas com bebidas e a aparecer constantemente na mídia em manchetes polêmicas.

Em 1960, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde passou a ter contato com a Bossa Nova, gravando o disco “Barquinho”, pela Columbia, um marco em sua carreira e na música popular brasileira. Com o sucesso, viajou por todo o país e pelo mundo, chegando a se apresentar no Olympia em Paris, no Estoril em Portugal e no Blue Angel, em Nova York. Dona de uma voz singular, meio rouca e aveludada e de um espírito indomável, a cantora tornou-se a musa da melancolia devido às mensagens de solidão e “fossa” características de suas canções.

“Sempre vou viver como kamikaze; é isso que me faz ficar de pé”, afirmou a maior cantora da música popular brasileira, que soltou seu primeiro som em 17 de março de 1945. Carinhosamente conhecida como “Pimentinha”, Elis Regina, a pequena gaúcha de 1,53m, encantou o Brasil e o mundo com sua voz única, que aliava uma peculiar técnica à sublime emoção. Em intensos 18 anos de carreira, foram 27 LPs, 14 compactos simples e 6 duplos. Morando do Rio de Janeiro desde que atingiu a maioridade, Elis venceu o Festival de Música Popular Brasileira da TV Excelsior no ano de 1965, cantando Arrastão, de Edu Lobo. A cantora gravou uma série de composições dos ainda pouco conhecidos Milton Nascimento, Belchior e Ivan Lins. Com Jair Rodrigues, um de seus maiores parceiros, gravou “Dois na Bossa” e, também ao seu lado, apresentou um dos programas mais importantes para a música nacional, “O Fino da Bossa”, com estréia em 65, na TV Record. Ao cantar nas TVs inglesa, belga, sueca, holandesa e suíça, Elis Regina atingiu o auge da sua carreira. Em 1974, nos Estados Unidos, ganhou fama com o disco “Elis e Tom”, feito em parceria com o maestro Tom Jobim. Seu maior show foi “Falso Brilhante”, assistido por cerca de 280 mil pessoas e muito lembrado até os dias atuais. Um de seus maiores sucessos, O Bêbado e o Equilibrista foi gravado em 1979, com autoria de João Bosco e Aldir Blanc, a mesma dupla que lhe forneceria outros inúmeros sucessos, como Mestre-sala dos Mares, Caçador de Esmeraldas e Dois pra lá, dois pra cá.

Em 22 de janeiro de 1977, o Brasil viu os olhos de oceanos se fecharem e a voz de veludo se calar. Maysa morreu num trágico acidente de automóvel na ponte Rio-Niterói, aos 40 anos, num fim de tarde que não se pode esquecer. Em janeiro de 2009, a Rede Globo exibiu a minissérie “Maysa – Quando fala o coração” em 9 capítulos do escritor Manoel Carlos e direção de Jayme Monjardim, filho da cantora. Cinco anos mais tarde, em 19 de janeiro de 1982, novamente o silêncio: os rádios e emissoras de televisão noticiavam que Elis Regina havia sido encontrada morta em seu apartamento em São Paulo. Aos 36 anos, a cantora faleceu em decorrência de uma overdose de cocaína e bebida alcoólica. Sua morte provocou um choque nacional. Sepultada no Cemitério do Morumbi, ainda hoje recebe a visita de milhares de fãs todos os anos. Deixou como legado o talento de seus três filhos, João Marcelo, Pedro Mariano e Maria Rita, tendo esta última um timbre vocal muito semelhante ao da mãe.

Texto de Isabella Verdolin e Natália Boaventura.

Sobre formas e cores de Tarsila do Amaral

2009-01-23T16:02:00.008-02:00

Nascida no primeiro dia de setembro de 1886, Tarsila do Amaral é uma das artistas que mais se destacaram no cenário artístico brasileiro. A graciosidade feminina, misturada ao desejo de ousar, resultou em obras únicas, vibrantes e inovadoras. Marcadas pelo uso de cores vivas, formas geométricas e uma estética fora do padrão, os trabalhos de Tarsila revolucionaram a arte no Brasil e são largamente admirados até os dias atuais.

A pintora nasceu e cresceu em um ambiente rural, entre paisagens simples e pessoas humildes, cenário que contrastava com a vida aristocrática de sua família. Apesar de ter iniciado seus estudos em São Paulo, no Colégio Sion, completou-os em Barcelona, ocasião em que pintou seu primeiro quadro, Sagrado Coração de Jesus, aos 16 anos. Ainda que, desde pequena, tenha sido significativo seu contato com a arte européia, Tarsila conseguiu incorporar uma brasilidade característica ao seu trabalho.

Morro da favela, de 1924. Fonte: site oficial da artista.

Despertado o interesse pela arte, deu início aos estudos sobre escultura com Zadig e Mantovani, no ano de 1916, em São Paulo, e, no ano seguinte, estudou desenho e pintura com Pedro Alexandrino, mestre acadêmico. Em 1920 embarcou para Paris, freqüentando a Academie Julien, sob orientação de Émile Renard. Dois anos depois, participa naquela cidade do “Salão Oficial dos Artistas Franceses”, onde obteve bastante sucesso.

Casou-se por duas vezes, e com seu primeiro marido, André Teixeira Pinto, teve sua única filha, Dulce. Com o segundo companheiro, Oswald de Andrade, renomado escritor do cenário brasileiro, Tarsila iniciou o namoro na época do “grupo dos cinco” que, contava ainda com Anita Malfatti, Mário de Andrade e Menotti del Picchia. Nesse contexto, ainda que não tenha participado da “Semana de 22”, integrou-se ao Modernismo, participando ativamente da renovação da arte brasileira que ocorreu na década de 1920. Na companhia do escritor francês Blaise Cendrars, Tarsila percorreu as cidades históricas mineiras, encantando-se com a decoração popular das casas. Nesse período, assimilou a tradição barroca brasileira às teorias e práticas cubistas adquiridas na Europa, o que resultou na obra Pau-Brasil. Além de ter inspirado um movimento variante do cubismo no Brasil, a pintura influenciou Portinari.

Como presente ao marido, pintou Abaporu (o homem que come, em tupi) em 1928, dando início ao Movimento Antropofágico brasileiro, fase mais importante da carreira da pintora. O movimento, liderado por Oswald de Andrade, propunha o retorno ao primitivo, a "deglutição" da cultura européia, transformando-a em algo mais brasileiro. Com a obra Operários, de cores mais sombrias, mas que mantinham a nitidez característica de suas obras, a artista iniciou a pintura social no país.

Manacá, de 1927. Fonte: site oficial da artista.

Nos anos cinqüenta, Tarsila retomou a temática de paisagens e cores brasileiras, que a caracterizaram anteriormente, voltando à pintura Pau-brasil, então intitulada Neo Pau-Brasil. Em 51, participou da “I Bienal de São Paulo”, marcando presença ainda na mostra “Arte Moderna no Brasil em 57”. Tal foi sua importância no cenário brasileiro que, em 1960, foi prestigiada com uma retrospectiva de sua obra organizada pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo. Participou ainda da “XXXII Bienal de Veneza”, em 64 e da mostra “Arte da América Latina desde a Independência”, dois anos depois. Dentre seus trabalhos, destacam-se ainda A negra, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, e São Paulo, na Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Tarsila do Amaral faleceu na cidade de São Paulo, em 17 de janeiro de 1973, aos 86 anos, deixando cerca de duzentas obras, entre quadros, desenhos e esculturas. Até então, a artista integrou diversas exposições no Brasil e no exterior, apresentado sempre telas ricas em cores e formas, que marcavam presença onde eram expostas. Com todo o seu legado, Tarsila auxiliou a mudança do rumo da arte brasileira, contribuindo para a consolidação da pintura nacional.

Para visualizar algumas telas e conhecer a história dos quadros, acesse o site oficial http://www.tarsiladoamaral.com.br/, onde o Abaporu aparece logo na abertura.

Texto de Natália Boaventura.

João: um pequeno nome, dois grandes autores

2009-01-12T19:07:00.005-02:00

O nome “João” pode ser definido por muitos como comum, simples, desses que se vê aos montes. Mas é um nome forte e possui uma envergadura que suas poucas letras podem não demonstrar logo de início. Em nossa literatura, por exemplo, encontramos além de Guimarães Rosa, dois escritores de nome “João” que nasceram no mês de janeiro e que não só revolucionaram a literatura brasileira, como mudaram seu curso e marcaram época. João Cabral de Melo Neto, nascido na capital de Pernambuco ao nono dia do mês em 1920, passou a infância em engenhos de açúcar, tendo a vida no campo influenciado profundamente o poeta. João Ubaldo Ribeiro nasceu no dia 23 em solo baiano, na Ilha de Itaparica, em 1941, tendo vivido em Aracaju (SE) quando criança. Entre semelhanças e notórias distinções, os escritores possuem uma rica coletânea de obras, lidas e relidas até os dias atuais, que retratam um Brasil de muitos brasis.

João Cabral, além de poeta, foi um importante diplomata, tendo ingressado na carreira em 1945 por meio de um concurso. Durante quarenta anos, viveu no exterior, desenvolvendo boa parte de sua obra literária em países como Espanha, França, Inglaterra, Senegal, Equador e Portugal. Na Europa, o poeta nunca se esqueceu de sua terra natal e ampliou suas impressões acerca do Brasil. Suas vivências na Espanha, especialmente, fizeram com que o olhar de Cabral se voltasse para a poesia e o romanceio popular do Nordeste. Cabral tinha também um lado mais artístico, em que falava de talentos como Miró e Paul Valéry. Durante os anos em que esteve vivo, publicou títulos que se destacaram no cenário da literatura e foram traduzidos para várias línguas, como Pedra do Sono (1942), O engenheiro (1945), O cão sem Plumas (1950), Quaderna (1960), Morte e vida severina (1965) e Auto do frade (1984). O poema dramático “Morte e vida Severina” trouxe reconhecimento popular ao escritor, tendo sido musicado por Chico Buarque de Holanda e encenado no Teatro da Universidade Católica de São Paulo (TUCA), na década de 60.

A poesia de João Cabral é caracterizada pela objetividade, muitas vezes marcado por temas sociais e, em certos casos, pela tendência ao surrealismo. Em toda a sua obra, o poeta apresentou certa preocupação com a estética da poesia, sendo autor de escrita mais racional, de linguagem concisa e elíptica. Apesar de ter tido contato com a variedade sonora dos ritmos pernambucanos, a musicalidade não esteve muito presente em seus versos. Por suas obras, João Cabral recebeu uma série de prêmios importantes nacionais e internacionais ao longo de sua carreira. Em agosto de 1968, foi eleito para a Academia Brasileira de Letras, na vaga deixada por Assis Chateaubriand, cadeira número 6. Em 1990, foi eleito para a Academia Pernambucana de Letras, da qual havia recebido, anos antes, a medalha Carneiro Vilela. Ao saber que sofria de uma doença degenerativa incurável, que o faria perder a visão gradativamente, o poeta anunciou que iria parar de escrever. Aos poucos, foi perdendo também a vontade de falar, argumentando não ter muito mais o que dizer. João Cabral de Melo Neto morreu em 1999, no dia 09 de outubro, deixando saudade e um extenso e rico conjunto de palavras.

O segundo João conta com o extenso sobrenome de Ubaldo Osório Pimentel Ribeiro, sendo mais conhecido como João Ubaldo, somente. Tendo crescido sob a rígida educação do pai, iniciou sua carreira jornalística no “Jornal da Bahia” em 1957 e, posteriormente, foi transferido para “A Tribuna da Bahia”, no qual chegou a exercer o cargo de editor-chefe. Mais tarde, em 1981, iniciou colaboração com o jornal “O Globo”, no qual publica crônicas uma vez por semana, até os dias atuais. Apesar de ter se formado em Direito na Universidade Federal da Bahia (UFBA), nunca chegou a exercer a profissão. Além disso, foi professor da Escola de Administração e da Faculdade de Filosofia da Universidade Federal da Bahia e professor da Escola de Administração da Universidade Católica de Salvador. Em 1964, época em que o Brasil vivia um contexto de efervescência política, o escritor partiu para os Estados Unidos, em razão da conquista de uma bolsa para fazer seu mestrado em Administração Pública e Ciência Política na Universidade da Califórnia do Sul. O movimento revolucionário não tinha conhecimento dessa viagem e, durante sua ausência, o esquerdista João Ubaldo teve sua imagem divulgada em redes da televisão baiana, juntamente aos dizeres “Procura-se”. Confirmando certo viés político, lançou, em 1981, Política, que é recomendado como bibliografia por inúmeras faculdades até hoje.

Apesar de também ter escrito livros infantis, obteve destaque através da publicação de textos mais elaborados. Viva o povo brasileiro, romance iniciado em 1982 e editado dois anos depois, é uma de suas principais obras, tendo recebido o "Prêmio Jabuti" e o Golfinho de Ouro, do governo do Rio de Janeiro. No carnaval de 1987, o livro foi escolhido como samba-enredo da escola Império da Tijuca. João Ubaldo publicou uma série de títulos de sucesso, como Setembro não tem sentido (1968), Sargento Getúlio (1971), O sorriso do lagarto (1989), A casa dos budas ditosos (1999), Miséria e grandeza do amor de Benedita (primeiro e-book lançado no Brasil, em 2000) e Diário do Farol (2002). Além de várias de suas obras terem sido traduzidas para outras línguas, algumas foram adaptadas para o cinema, televisão e teatro. Tal como Cabral, João Ubaldo foi largamente premiado, inclusive internacionalmente. Grande retratador do país, tem um estilo permeado por ironia e sensualidade ao retratar o contexto social do Brasil, além de pitadas de humor mesmo em narrativas densas. Entre a realidade crua e aquela travestida da tipicidade brasileira, o autor reinventa o país e sua gente, sendo considerado, por muitos, como um porta-voz da nação.

Ver o Brasil através dos textos destes dois autores de nome João nos fornece impressões que ora se assemelham e ora se distinguem, seja pelo estilo de cada um, pela trajetória de vida e pelo modo de olhar o país e o mundo. São escritores que falam com maestria de um Brasil que pode ser muitos brasis ao mesmo tempo, resgatando a grandeza e o mistério existentes na simplicidade. Algo que o nome “João” retrata com exatidão.

Texto de Natália Boaventura e Isabella Verdolin

Recesso do Escritório de Histórias

2008-12-18T15:00:00.010-02:00

Este ano, o Escritório de Histórias encerrará suas atividades de atendimento externo no dia 20 de dezembro, retormando o funcionamento normal em 05 de janeiro de 2009.
Aproveitaremos para realizar tarefas internas de organização e, é claro, descansar um pouco, para começarmos 2009 com as energias renovadas.

Desejamos a todos boas festas e... até o ano que vem!

Clique aqui para ver nossa mensagem de final de ano.

Cássia Eller: uma saudade rouca

2008-12-09T14:15:00.005-02:00

Uma voz poderosa e rouca, capaz de agradar amantes da poesia de Cazuza e do grunge do Nirvana. A voz de Cássia Eller. Com a carreira iniciada em Brasília, tocando nos bares, botecos, boates e mesmo na rua – até em trios elétricos de música baiana, diga-se de passagem – Cássia lançou seu primeiro disco em 1990, ficando conhecida pela interpretação de “Por enquanto”, de Renato Russo. Com o público jovem, fez sucesso instantâneo. Seu visual era forte, bem como sua postura em assumir a homossexualidade em plena era do politicamente incorreto. Cássia Eller também assumiu desde logo que era uma intérprete, traçando assim um caminho diferente de outras cantoras importantes de sua geração, como Marisa Monte, que enveredou pelos meandros da composição.

Era boa de palco, tão boa que seus shows estavam cada vez mais concorridos. Não foi por acaso que sua gravadora apostou em 3 cds “ao vivo”. Um deles, o “Acústico MTV” teve quase todas as músicas alçadas à categoria de hits. Sua voz rouca podia ser doce e suave em “Luz dos Olhos” (Nando Reis) e agressiva em “Smeels like teen spirit” (Nirvana). Agradava filhos e pais que apreciavam boa música, trazendo ao conhecimento do grande público nomes da música brasileira injustamente esquecidos, como Riachão. Interpretava as canções de Cazuza e Renato Russo melhor mesmo do que eles o fizeram.

Ao apagar das luzes de 2001, Cássia Eller partiu – envolta mais uma vez em polêmica. As suspeitas de overdose foram desmentidas pelo laudo da autópsia: não havia álcool nem outras drogas em seu sangue. Foi mesmo um ataque cardíaco, provavelmente decorrente do excesso de trabalho. Naquele 29 de dezembro, uma geração ficou órfã. A lacuna deixada pelo silêncio da voz rouca de Cássia não poderá ser preenchida, tal qual Elis Regina, outra grande cantora silenciada precocemente e que não teve substituta. Poucos dias antes, no dia 10 de dezembro, Cássia Rejane Eller havia completado 39 anos e fazia planos: “Esta semana mesmo já comecei a ligar para umas pessoas e pensar no próximo álbum", declarou numa das últimas entrevistas que concedeu. Deixou 6 discos, um filho, uma companheira notável, fãs inconsoláveis e uma saudade tão rouca como sua voz.

Mais sobre Cássia Eller:
http://cassiaeller.br.tripod.com/cassiaeller/
http://www1.folha.uol.com.br/folha/ilustrada/ult90u469197.shtml

Texto de Isabella Verdolin

Brasil: o nascimento de uma nação

2008-12-02T15:19:00.000-02:00

Há 200 anos, a cidade do Rio de Janeiro viu sua estrutura e vida cotidiana mudarem significativamente. Quase que sem aviso, milhares de nobres portugueses aportaram no litoral carioca e ocuparam o território da capital, deixando “requintadas” marcas por onde passavam. Muitos brasileiros foram despejados de suas casas ou viram o preço do aluguel imobiliário subir demasiadamente, obrigando-os a abandonar o local onde moravam.

A transferência da corte portuguesa para o Brasil, até então sua colônia, trouxe para o país a idéia de nação, além de abrir caminhos para a futura independência. Supõe-se que a capital carioca foi a escolhida para instalar a corte pelo fato de ser a cidade mais rica de todo o império, perdendo apenas para Lisboa.

Inicialmente, a nobreza aportou na Bahia, em janeiro de 1808, devido a uma tempestade ocorrida durante o percurso. Chegando ao Rio de Janeiro, em 07 de março de 1808, a família real não encontrou um grande palácio para acomodá-la, fazendo com que os casarões fossem adaptados. Naquela época, as casas dos cariocas ricos eram grandes, mas sem muito luxo em função da lei que proibia a exibição de riqueza, impondo o respeito a certas regras arquitetônicas. O dinheiro era, então, investido na estrutura das igrejas da cidade que, até hoje, ostentam um toque de nobreza. Com a chegada da corte portuguesa, esta lei foi extinta, permitindo que a elite reformasse e aumentasse os seus palacetes.

A arquitetura do Rio de Janeiro foi rapidamente modificada, sem muito planejamento, para se tornar sede do império, ocasionando o aumento de uma série de impostos públicos por parte de D. João. O custeio contou também com o apoio da família real, que financiou pequenas obras da nova corte. A presença da nobreza de Portugal e o crescimento da cidade propiciaram o aumento estrondoso, em pouco tempo, da população de escravos no Brasil, fazendo com que os negros representassem cerca de três quartos da população carioca em 1811. Os escravos eram os principais elementos das modalidades de comércio surgidas na época, seja como agentes ou como mercadoria. O “brilho” da nobreza que aportou na cidade maravilhosa em 1808 contrastava com as precárias condições de vida de grande parte da população, e, com o aumento repentino da demanda de água, comida e moradia, as carências tornaram-se ainda mais evidentes.
Devidamente instalado na nova corte do império português, D. João fez o possível para voltar à rotina, retomando os despachos com ministros, a recepção de súditos e aparições públicas. Uma de suas acomodações foi a Quinta da Boa Vista, no bairro de São Cristóvão, um presente do comerciante Elias Lopes, logo após o desembarque dos portugueses. Ao contrário do que muitos afirmam, D. João permaneceu no Brasil, mesmo após a morte da mãe e sua nomeação como rei de Portugal, porque tinha medo de perder o território caso retornasse à sua terra natal.

A vinda da família real para o Brasil trouxe consigo uma série de mudanças para a cidade do Rio de Janeiro, que influenciaram toda a nação. Uma das principais medidas tomadas por D. João foi a concessão de autonomia administrativa ao país, em 1815. O príncipe regente de Portugal decretou a suspensão do alvará de 1765, o que permitiu a criação de indústrias em território colonial. A abertura dos portos, no entanto, prejudicou o desenvolvimento da indústria nacional, devido ao grande número de importações e à conseqüente presença de artigos ingleses que, além de bem elaborados, possuíam preços acessíveis. O fato do Brasil ter sido colonizado por Portugal deixou algumas heranças negativas, como as diferenças sociais ocasionadas pela escravidão e relações injustas de poder, péssimas condições de vida aos menos favorecidos economicamente e a corrupção, muito comum em território português.

Por outro lado, a transferência da corte para a colônia possibilitou conquistas importantes. Inicialmente, os portugueses focavam-se em explorar apenas o litoral brasileiro, deixando um pouco de lado o interior. A chegada da família real contribuiu positivamente para o mapeamento geográfico do território, sendo, inclusive, criado um Arquivo Militar, que dispunha de uma variedade de mapas e cartas geográficas e topográficas, além de contar com uma equipe de engenheiros, arquitetos e desenhistas. O Banco do Brasil foi criado em outubro de 1808, com o intuito de financiar a indústria até então proibida no país. Naquele momento, a imprensa tornou-se uma necessidade de estado, ocasionando a criação da Imprensa Régia que, ao longo dos anos, recebeu várias denominações, sendo atualmente chamada de Imprensa Nacional (IN). O primeiro jornal brasileiro foi “A Gazeta do Rio de Janeiro”, seguido por uma série de publicações que contribuíram para a formação da nossa imprensa e da opinião da sociedade da época. Entretanto, a liberdade de imprensa ainda não existia e, somente após a Revolução do Porto, em 1820, D. João acabou com a censura nos periódicos.

Antes de 1808, Portugal não permitia a criação de universidades em suas colônias. Após a chegada da família real no Brasil, criou-se a Faculdade de Medicina da Bahia (Fameb), dando o primeiro passo para a independência cultural brasileira. Instalada no Hospital Real Militar, inicialmente, a Fameb contava com médicos militares que atuavam como professores e, somente anos mais tarde, vieram os médicos civis. Em novembro do mesmo ano, D. João fundou a Escola de Anatomia, Cirurgia e Medicina, a atual Faculdade de Medicina da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Como na época os estudos da medicina não eram muito avançados e não se sabia, ao certo, a causa de muitas doenças, a prioridade era a eliminação dos sintomas, passando aos alunos um conhecimento mais observatório do que científico. No ano de 1811 foi inaugurado o Jardim de Aclimação, atual Jardim Botânico que, inicialmente, tinha a função de preservar algumas especiarias vindas das Índias. Cinco anos depois, foi fundada a Academia de Belas-Artes e, em 1818, o Museu Real, mais tarde chamado de Museu Nacional. A corte portuguesa trouxe consigo mais de 60 mil livros da Biblioteca Real, o que contribuiu, de forma significativa, para a criação da Biblioteca Nacional. Ao retornar para Portugal em 1821, D. João levou consigo uma parte dos manuscritos integrantes da biblioteca, o que não impediu que ela fosse considerada, atualmente, a oitava maior do mundo e a maior da América Latina.

Para a elaboração desse texto, foram utilizados os seguintes veículos como referência:
- Revista de História da Biblioteca Nacional, edição nº 28, janeiro de 2008:
. O outro lado de 1808, Guilherme Martins Costa e Marina Lemle
. De mapa em mapa, Íris Kantor
. Vida dura em casa nova, Jurandir Malerba
- Folha de São Paulo, Especial 200 anos da chegada da família real, disponível em http://www1.folha.uol.com.br/folha/especial/2008/familiareal/

Texto de Natália Boaventura

Machado de Assis: cem anos de saudade

2008-11-19T12:03:00.006-02:00

Quem, após ler Dom Casmurro, não se pôs em dúvida sobre a culpa ou inocência de Capitu? Na verdade, todo o mistério fica a cargo de Machado de Assis que, há cem anos, partiu para dimensões distantes, não podendo mais dar seu último parecer sobre a trama. Escritor de estilo marcante, é considerado um dos maiores escritores da literatura brasileira. Ainda que tenha nos deixado há muito tempo, suas obras não permitem que ele se cale. Foi um dos responsáveis pela fundação da Academia Brasileira de Letras sendo seu primeiro presidente, fatos que levaram o local a ser conhecido como "Casa de Machado de Assis".

Joaquim Maria Machado de Assis nasceu no Rio de Janeiro, em 1839. A mãe, Maria Leopoldina Machado de Assis, morreu quando ele ainda era menino, tendo o pai, Francisco José de Assis, se casado alguns anos depois com Maria Inês da Silva, com quem Machado continuou vivendo após a morte de Francisco. Estudou sem muita regularidade devido à condição financeira, publicando seu primeiro trabalho no ano de 1855, o poema “Ela”, na revista Marmota Fluminense. Dois anos depois, como aprendiz de tipógrafo, tornou-se membro da Imprensa Nacional e protegido do romancista Manuel Antônio de Almeida. Crisálidas, seu primeiro livro de poemas, só foi editado nove anos depois.

Machadinho, como era chamado na infância, foi colaborador de uma série de veículos importantes da época, atuando como cronista, contista, poeta e crítico literário e teatral, galgando, aos poucos, seu posto de renomado intelectual. Antes mesmo de se firmar como grande romancista, Machado de Assis conquistou a amizade e admiração do escritor José de Alencar. Foi a pedido dele que, em 1868, orientou o jovem Castro Alves no mundo das letras. Um ano depois, casou-se com a portuguesa Carolina Augusta Xavier de Novais. Mulher muito culta, D. Carolina apresentou ao marido os clássicos portugueses e vários autores da língua inglesa, leitura que muito contribuiu para as obras machadianas.

Em 1872, publicou o seu primeiro romance, Ressurreição, que só mais tarde entrou para a lista de títulos famosos, junto a A mão e a luva, Helena e Iaiá Garcia. Os romances seguintes, Memórias Póstumas de Brás Cubas, Quincas Borba e Dom Casmurro, são considerados obras-primas, e consagraram-no como um dos maiores autores da literatura de língua portuguesa mundial. Seu último romance, Memorial de Aires, foi publicado no ano de sua morte.

Em 1904, Machado de Assis publicou o famoso soneto “A Carolina”, dedicado à sua esposa já falecida. Em junho de 1908, o escritor iniciou um tratamento de saúde, falecendo ao final do mês de setembro, aos 69 anos.

A CAROLINA

Querida, ao pé do leito derradeiro

Em que descansas dessa longa vida,

Aqui venho e virei, pobre querida,

Trazer-te o coração do companheiro.

Pulsa-lhe aquele afeto verdadeiro

Que, a despeito de toda a humana lida,

Fez a nossa existência apetecida

E num recanto pôs um mundo inteiro.

Trago-te flores, - restos arrancados

Da terra que nos viu passar unidos

E ora mortos nos deixa e separados.

Que eu, se tenho nos olhos malferidos

Pensamentos de vida formulados,

São pensamentos idos e vividos.

Sobre mangueiras e rosas, o centenário de Cartola

2008-11-10T15:37:00.001-02:00

Se as rosas falassem, certamente, teriam a boêmia voz de Cartola e seu jeito malandro de ser. Um dos maiores compositores da música brasileira, Angenor de Oliveira teve seu centenário comemorado no 11º dia do mês passado, recheado de saudade e boas canções. Ainda que não tenha estudado mais que a quarta série do primeiro grau, sua obra é dotada de um nível de poesia que escola nenhuma é capaz de ensinar.

Cartola era um homem simples, adepto da “malandragem”, tinha samba cravado à pele, amor nas veias e, por erro de um escrivão, teve seu nome registrado como Angenor. Nascido no bairro do Catete, no Rio de Janeiro, era o quarto dos sete filhos do casal Sebastião e Aída. Ao longo de mais de cinco décadas, agregou ao patrimônio cultural brasileiro um legado musical de valor inestimável, fazendo sucesso em todo o país com suas canções e tendo composto cerca de quinhentas ao todo.

O artista começou a vida de sambista bem cedo. Aos 8 anos já participava das festas de rua, desfilando em blocos carnavalescos e tocando cavaquinho, que aprendera com o pai. Após a morte da mãe, deixou a família e parou de freqüentar a escola para dar início à sua vida boêmia. Não tendo tido emprego fixo, Cartola trabalhou de pintor de paredes à vigia de prédios, mas foi atuando como pedreiro que surgiu seu apelido, dada sua vaidade, que o levou ao costume de usar um chapéu-coco durante as obras para não sujar os cabelos de tinta e reboco.

Cartola tinha um jeito muito característico de ser. Não se deslumbrava com a fama e não procurava agradar ninguém. Assim como seu fiel amigo e também sambista Noel Rosa, vendeu sambas no início da carreira, sendo “Que infeliz sorte” o primeiro, vendido a Mário Reis e gravado por Francisco Alves. Ao longo de sua trajetória, teve suas canções deleitadas nas vozes de grandes personalidades, como Carmen Miranda, Beth Faria, Paulinho da Viola, Cazuza, Ney Matogrosso e Chico Buarque.

Na década de 1920, os blocos de carnaval começaram a se organizar em sociedades permanentes. Paralelamente, Angenor ajudou a fundar, junto a nomes como Francisco Ribeiro e Pedro Caymmi, a Estação Primeira de Mangueira, escola de samba que regeu vida e obra do compositor. Quando questionado sobre a pouco usual combinação das cores, ele dizia: “Ora, o verde representa a esperança, o rosa representa o amor. Como o amor pode não combinar com a esperança?". O samba enredo “Chega de Demanda”, da autoria de Cartola, trouxe à escola seu primeiro prêmio de carnaval, no desfile da Praça Onze.

Em 1940, o músico foi convidado pelo compositor e maestro Heitor Villa-Lobos para a formação de um grupo de sambistas que realizariam algumas gravações para Leopold Stokowski, maestro de fama internacional. Dentre os sambas que Cartola gravou, “Quem Me Vê Sorrindo” saiu em LP comercializado somente nos Estados Unidos. A música é da composição de Carlos Cachaça, fiel companheiro de sambas e farras.

Após um longo tempo desaparecido (mas não esquecido) por motivos como doença e falta de espaço no mercado musical da época, Cartola ressurgiu por volta dos anos 50, após ter sido encontrado pelo cronista Sérgio Porto, magro e franzino, trabalhando como lavador de carros. Nessa época, começou a namorar a irmã de Carlos Cachaça, a Dona Zica, com quem se casou anos depois e, ao seu lado, compôs “As Rosas não Falam”, maior sucesso da carreira. Na década de 60, fundou, junto com a esposa, o Zicartola, na rua da Carioca. Além da ótima gastronomia, que ficava aos cuidados da esposa, contava com a presença de grandes nomes da arte popular brasileira. Apesar de não ter durado muito, o botequim chamou a atenção na época.

Mesmo com todo o brilhantismo de seus versos e o sucesso das canções gravadas sob outras vezes, Cartola só teve o seu primeiro disco, homônimo, gravado no ano de 1974, com a produção de Marcus Pereira.

O músico foi levado pelo câncer em 30 de novembro de 1980, morrendo no Rio de Janeiro. Três dias antes, recebeu a célebre homenagem de Carlos Drummond de Andrade, em uma crônica publicada pelo "Jornal do Brasil". Ainda que seus sambas tenham conquistado o gosto popular, Cartola nunca foi rico e assim morreu, morando numa casa doada pelo estado do Rio de Janeiro.

"Quem gosta de homenagem póstuma é estátua. Eu quero continuar vivo e brigando pela nossa música. Sinceramente, eu não acreditava que ainda viveria esse tempo de grande justiça que o povo brasileiro – apesar dos pesares - faz à música brasileira" (Cartola, Revista Manchete, 03.12.1977).

Carlos Drummond de Andrade

2008-10-30T16:01:00.003-02:00

Nascido em 31 de outubro de 1902, na cidade de Itabira, Drummond é ainda hoje referência de bons textos. Poeta, contista, jornalista, o mineiro conquistou o mundo com seu jeito único de escrever e escolher as palavras. Tanto que seu sobrenome por vezes é usado como adjetivo, quando se pretende comparar o estilo de outros escritores com o seu.

O mundo é grande e, atualmente, o 31 de outubro é lembrado em boa parte dos países como o Halloween, um feriado norte-americano exportado através do cinema de Hollywood. Chineses, japoneses, brasileiros, italianos e até franceses "celebram" usando fantasias e imitando uma festa que não tem lastro em suas culturas. Se perguntarmos por aí, veremos que muitos sabem que é dia de Halloween e poucos sabem do que se trata tal festejo.

Menos ainda devem ser os que guardam na memória que nesta data, há 106 anos, nasceu um dos grandes escritores brasileiros na pequena Itabira, interior de Minas Gerais. Que a cidade foi descrita por ele como um retrato na parede, uma vez que as mineradoras ainda hoje continuam reduzindo suas montanhas a pó de minério de ferro. Que Drummond foi viver no Rio de Janeiro, cidade pela qual se apaixonou e onde consolidou sua carreira. Que era um entusiasta da vida, seus prazeres e fazia poesia de suas dificuldades, como a pedra que ficou famosa por estar no meio do caminho.

Por tudo que Drummond representa para o Brasil, seria justo que a data de seu nascimento fosse uma data comemorativa (nada de mais feriados). Fica aqui o convite para que celebremos este 31 de outubro desfrutando a poesia de Carlos Drummond de Andrade:

Memória

Amar o perdido
deixa confundido
este coração.

Nada pode o olvido
contra o sem sentido
apelo do Não.

As coisas tangíveis
tornam-se insensíveis
à palma da mão.

Mas as coisas findas,
muito mais que lindas,
essas ficarão.

35 anos sem Neruda

2008-09-23T14:33:00.008-03:00

Em 23 de setembro de 1973 morreu Pablo Neruda, um dos mais importantes poetas do século XX. Nascido no Chile em 1904, foi registrado como Ricardo Eliezer Neftalí Reyes Basoalto. Filho de ferroviário, perdeu a mãe poucos meses após nascer. Ainda adolescente, começou a escrever poesias que foram publicadas em um jornal da cidade de Temuco. O pseudônimo Pablo Neruda foi escolhido em homenagem ao poeta tcheco Jan Neruda e ao francês Paul Verlaine, e Ricardo passou a utilizá-lo em 1920.

Em seus versos, transparecem suas grandes paixões: as mulheres, seu país e a própria poesia. Diplomata, revolucionário e marxista, fez amigos como Garcia Lorca e Salvador Allende. Casou-se 3 vezes e teve inúmeras musas inspiradoras. Mudou-se para Santiago em 1921, quando matriculou-se no Instituto Pedagógico da Universidade do Chile para estudar Pedagogia em Francês. Sua vida boêmia na capital teve início em 1922, bem como suas privações financeiras, pois seu pai deixou de enviar-lhe dinheiro. Foi uma fase de dedicação total à poesia. Seu mais famoso livro, “Veinte poemas de amor y una canción desesperada”, foi publicado em 1924 e contém diversos textos inspirados em uma de suas colegas do Instituto Pedagógico. A publicação desta e de outras obras não trouxe sustentação financeira. Nomeado Cônsul em 1927, Pablo Neruda viajou pelo Oriente, retornando ao Chile em 1931 devido às sucessivas crises internas.

Na Espanha, em 1934, nasceu sua única filha. Ocupando cargos consulares em Barcelona e posteriormente em Madri, apoiou seu grande amigo Garcia Lorca na Guerra Civil Espanhola. Após o assassinato de Lorca, o governo chileno fechou o consulado em Madri. O envolvimento do poeta com as questões da Espanha o fez estabelecer-se em Paris, sem emprego e sem garantias. A partir daí desenvolveu um incansável trabalho em defesa dos refugiados espanhóis, que culminou com sua nomeação como Cônsul novamente, em 1939, para cuidar exclusivamente das questões dos refugiados que desejassem viver no Chile. Em suas missões, conheceu o México e também se envolveu com as questões políticas naquele país. Em 1945, foi eleito Senador pelo Partido Comunista do Chile. O presidente eleito rompeu com o partido e a perseguição a Neruda o levou ao exílio em Paris em 1949, onde recebeu o apoio de vários amigos, inclusive de Pablo Picasso. Sua produção literária foi intensa neste período, marcada pelos ideais que defendia e pelo humanismo.

Em 1952 retornou ao Chile, onde foi recebido com um grande ato público em sua homenagem. Engajado na campanha política ao lado de Salvador Allende, recebeu no ano seguinte o “Prêmio Stalin para a consolidação da paz entre os povos”. Em 1954, esteve no Brasil, a convite de Jorge Amado para o "Primeiro Congresso Nacional de Cultura", em Goiânia. Foi também neste ano que Neruda doou todo o seu acervo à Biblioteca da Universidade do Chile. Dedicado a viagens por todo o mundo, fazendo palestras, participando de conferências e publicando diversas obras, só em 1970 engajou-se novamente nas eleições chilenas, abrindo mão de sua candidatura em benefício do amigo Salvador Allende, eleito finalmente após 4 campanhas eleitorais. Em 1971, Pablo Neruda recebeu o Prêmio Nobel de Literatura. No ano seguinte, os primeiros sintomas de sua doença começaram a manifestar-se e, em 1973, renunciou ao cargo de Cônsul em Paris alegando problemas de saúde, retornando definitivamente ao Chile. Entregou a Editora Lousada os manuscritos de 7 livros inéditos e assistiu ao Golpe de Estado orquestrado por Augusto Pinochet 12 dias antes de sua morte. Seu funeral foi acompanhado por uma multidão em Santiago.

Em 1994, o filme “Il postino” (O Carteiro e o poeta) trouxe às telas seu lado humano, suas poesias e a delicadeza de seus versos. O centenário de seu nascimento foi comemorado em todo o mundo em 2004, de maneira mais contundente nos países em que trabalhou, colaborou, freqüentou e viveu. Para ler algumas obras de Pablo Neruda e ter mais informações, visite o site da Fundação Neruda (em espanhol), que serviu de consulta para a produção deste texto.

Feira do Livro de Brasília

2008-08-19T12:09:00.006-03:00

O Escritório de Histórias foi convidado a lançar dois livros na 27ª Feira do Livro de Brasília, que acontece de 29 de agosto a 7 de setembro de 2008. Promovido pela Câmara do Livro do Distrito Federal, o evento é uma tradição na cidade, atraindo grande público. Em 2007, foram 600 mil pessoas transitando nos estandes montados em torno do Shopping Pátio Brasil, no Setor Comercial Sul, local novamente escolhido para a edição de 2008.

No dia 31 de agosto, às 17h, serão lançados: "O Exilado da rua Outono", livro de contos de Osias Ribeiro Neves e "Brincando de Poeta", livro de poesias de Dinaldo Domingues. Estão todos desde já convidados a visitar a Feira e participar do lançamento, com tarde de autógrafos e bate-papo com os autores no Café Literário.

Você sabia?

2008-08-04T16:36:00.002-03:00

O site do Escritório de Histórias chegou ao PageRank 3, numa escala que vai de 1 a 10. O cálculo é usado pelo Google para determinar a relevância de uma página e é feito com base nos links que ela recebe de outros sites e da relevância desses sites. "Esse critério de ordenação das páginas é bastante democrático, refletindo o que a internet 'pensa' sobre determinado termo. Cerca de dez bilhões de páginas são levadas em conta e todas elas têm a mesma condição de subir nessa lista, conquistando votos pela rede afora. Por exemplo, se uma página tem PageRank 3 (33%) significa que ela é mais importante que um terço de toda a internet". (Fonte: Wikipédia)